в каком году была основана музыка
История рока: возникновение и развитие
Роль музыки в мировой истории часто преуменьшают. Прослушивание любимых композиций провоцирует выработку дофамина – гормона счастья. Это снижает стресс, поэтому музыку используют при лечении депрессии и других психологических расстройств. Такое «лекарство» всегда привлекало людей, поэтому известные музыканты собирали тысячи слушателей на концертах. Толпа не хочет конфликтовать, когда ей комфортно. Так, джаз, появившийся благодаря чернокожим исполнителям, никогда не подвергался расовым предрассудкам и всегда был любим публикой.
Зарождение и развитие рок-музыки
История рок-музыки началась в Америке, когда расовая вражда достигла пика. Чернокожее население США не имело право ездить в автобусах на первых четырех рядах, предназначенных для “белых”. Афроамериканцы обязаны были уступить место. Дети учились в школах, разделенные по цвету кожи. Даже общественные места, такие как пляж, подвергались сегрегации. Rock-n-Roll помог примирить враждующих людей, ведь он произошел сразу из трех видов музыки: ритма, кантри и блюза, которые стали истоками рока. Афроамериканские исполнители играли для белой публики. Белые музыканты выступали перед чернокожими. Так музыка помогла сблизить враждующие расы. С новомодным направлением первыми познакомились жители штата Огайо, где диджей Алан Фрид включал записи необычного стиля.
Название Rock-n-Roll до популяризации использовалось в текстах этнических афроамериканских песен.
Хотя история рока началось в конце 40-х, официальным годом зарождения нового направления считается 1951-й. Именно в этом году вышла первая студийная запись новомодного звучания под названием “Rocket ‘88” в исполнении дуэта Айка Тернера и Джеки Бренстон. После недолгого затишья на сцене появился знаменитый Элвис Пресли. Молодой певец быстро покорил слушателей своей харизмой и приятным тембром. Каждая пластинка, записанная музыкантом, становилась популярной и закрепляла любовь общества к рок-н-роллу. Пресли стал родоначальником первого ответвления необычного течения, позже названного “рокабилли”.
50-е года принесли любителям тяжелой музыки множество композиций, которые популярны по сей день. Вот лишь короткий список классики рок-н-ролла, появившейся в послевоенные годы:
Развитие зарубежной рок-музыки
Спустя двадцать лет после того, как появился рок, он начинает активно развиваться в Европе и Америке. От простых и танцевальных мотивов музыканты переходят к более сложным композициям. Основоположником тяжелой музыки считается Линк Рей — американский гитарист, который первым использовал эффект fuzz. Так называют искажение музыки, при котором теряется огибающий сигнал. Впервые он был использован в композиции “Rumble”, записанной в 1957 году.
Совместно с Диком Дейлом Линк Рей создал новый стиль рок-н-ролла — серф. Они вдохновлялись звучанием гавайской гитары и эффектом вибрато. Первой композицией, записанной в стиле серф, стала песня “Buldog”. Самыми яркими представителями нового направления были группы Ventures, Shadows и Fireballs. Течение серф существовало недолго: на смену пришел серф-поп, где музыканты совместили качества стиля с традиционным звучанием.
Движение модов
Рок считается одним из самых свободных стилей. Именно эксперименты подарили миру музыки новые разветвления. В Британии 60-х любовь к этому стилю уже основательно закрепилась благодаря The Beatles. Коллектив до сих пор считается легендарным и транслируется на радиостанциях. К ним на смену пришли Rolling Stones, которые должны были стать “бунтарской версией жуков”. Рекламируя выступления нового коллектива, менеджеры обещали публике выступление “величайшей рок-н-ролл группы всех времен”. Коллектив по сей день поддерживает этот статус, а журнал, названный в их честь, считается самым авторитетным для меломанов всей планеты.
С середины 60-х годов группы стали искать новый звук. Первыми его нашли Kinks, добавившие в привычные рок-н-рольные мотивы тяжелое звучание и тексты о социальных проблемах. Такая музыка создала целую субкультуру — моды. Так называли себя стильно одетые молодые люди, одержимые музыкой. С ними в Британию пришли блюз, соул, ска и модерн-джаз. Движение принесло популярность The Who – британской рок-группе, чье звучание по тем временам считалось самым тяжелым. Они же ввели новое название направления – “пауэр-поп”.
Beatles стала первой группой, чьи записи в Советском Союзе копировались на рентгеновские снимки. Такая технология получила название “рок на костях”.
Гаражный рок
Рождение андерграунда пришлось на середину 60-х. В основном гаражный рок играли любительские группы. Они писали песни и выступали в небольших барах. Большинство коллективов так и не попали в студии. Название такого течения произошло от стиля репетиций: подростки собирались в гараже, где и тренировали свои навыки. Яркими представителями направления можно назвать группы The Sonics и The Knickerbockers. Направление нельзя назвать популярным, но он повлиял на развитие рок музыки. Именно от гаражного стиля произошли панк и прото-рок.
Развитие металла
Следующим решающим этапом в становлении рока было появление металла. С ним появилось сразу несколько тяжелых видов музыки. На радио зазвучали AC/DC, Black Sabbath и Judas Priest. Этот период называют новой волной или New Wave Of British Heavy Metal. Звучание стало агрессивным. В группы добавились вторые гитаристы. Обязательным в композициях считалось наличие соло, которое показывало мастерство исполнителя. Больше всего на эволюцию стиля повлиял коллектив Iron Maiden. Их тяжелая музыка сочеталась с мелодичным вокалом.
Конец 90-х и расцвет гранжа
Прошло больше десяти лет до рождения нового направления. Рок оставался популярным, группы систематически давали концерты. Классическое звучание не успело наскучить публике: на сцену вышел Курт Кобейн и познакомил общество с гранжем. Возникновение коллектива Nirvana во многом определило дальнейшее развитие рока. Депрессивное настроение его песен, которые затрагивали близкие людям вопросы, быстро завладело сердцами слушателей. Пение с хрипотцой отличалось от привычного чистого и высокого вокала исполнителей течения New Waves Of British Heavy Metal. Если бы не “Нирвана”, публика не узнала бы такие группы, как Soundgarden, Pearl Jam, Alice in Chains.
До “Нирваны” звукозаписывающие компании не подписывали договора с исполнителями альтернативного рока.
История русской рок-музыки
Западная мода дошла и до Советского Союза. Новое направление было принято не сразу. Первые концерты в стиле рок-н-ролл проходили в небольших помещениях, а выступали в основном любители. Коллектив «Поющие Гитары» стал первым официальным проектом тяжелой музыки в СССР. Группа была основана в 1957 году и сразу начала активно выступать на мероприятиях, знакомя русскую публику с роком. Однако стиль все еще не признавался советскими слушателями. Качественные записи и сложные композиции требовали дорогих инструментов. Отсутствие топового оборудования стало серьезной преградой для развития рока в русской культуре.
Расцветом рок-н-ролла в Советском Союзе считается период с 80-х по 90-е. В 1981 открылось первое заведение, посвященное новому направлению. В Ленинградском рок-клубе начали записываться группы “Машина времени”, “Автограф и Магнетик Бэнд”. Эти коллективы уже были известны публике своим выступлением на фестивале тяжелой музыки «Тбилиси-80», проведенном годом ранее. Музыканты с необычным стилем исполнения стали попадать на радиостанции и сниматься в программе “Музыкальный ринг”. Именно в этот период появились “Круиз”, “Земляне” и “ДДТ”.
Большинство композиций записывалось в гаражах и квартирах. Культовая песня «Наутилуса Помпилиуса» “Я хочу быть с тобой” была записана на квартире у одного из основателей — Дмитрия Умецкого.
Попытки государства избавиться от западных течений не увенчались успехом. Рок-музыка превратилась в пропаганду свободы. Люди начали слушать композиции и записывать активнее, борясь за право наслаждаться любимым направлением. Не помогли и массовые расформирования зарегистрированных коллективов, которые добавляли в свои записи рок-н-рольный стиль. В 1985 году правительством было принято решение о создании “Московской рок-лаборатории” в качестве компромисса. Так музыканты получали возможность выступать на концертах, зарегистрировавшись в учреждении. Группы стали легальными, а государство могло контролировать их деятельность. Вместе с нововведением в стране появился новый стиль — нью-вейв. Его исполнители, например, “Кино” и “Алиса”, быстро нашли отклик у публики. Вместе с ними популярность пришла к “Наутилусу Помпилиусу”, “Бригаде С” и “Зоопарку”.
Сегодня самыми популярными исполнителями рока в России считаются:
Тяжелая музыка сейчас
Современный рок насчитывает 209 направлений. Некоторые имеют этническое происхождение, например, на территории Скандинавии зародился фолк-рок. Другие соединились с противоположными направлениями. Одним из самых популярных течений такого типа считается рэп-кор. В нем сочетаются рэп и альтернативная музыка. Ярким представителем необычного стиля можно назвать Thousand Foot Krutch. Самыми популярными жанрами за последние 10 лет стали:
Самые известные рок-музыканты
Количество исполнителей тяжелой музыки невозможно сосчитать на пальцах. В 2004 году популярный журнал Rolling Stones составил список величайших групп в истории. В голосовании принимали участие профессиональные критики и известные музыканты. В десятку лучших вошли:
Годом ранее в журнале вышла статья “100 величайших гитаристов всех времен”, где Джими Хендрикс занял первое место.
После составления этих списков прошло больше 10 лет, поэтому фанаты тяжелой музыки сделали подборку самых популярных исполнителей современности. В нее вошла британская группа Muse, чьи композиции активно используются в кинематографе. Например, песню “Supermassive Black Hole” можно услышать в молодежной саге “Сумерки”. Второго места был удостоен коллектив Linkin Park, который дважды номинировался на премию «Грэмми». За ними следуют 30 Seconds to Mars с Джаредом Лето во главе.
Также в список вошли Three Days Grace (когда фронтменом был Адам Гонтьер), Kasabian, Kings of Leon, Foo Fighters, Arctic Monkeys, Radiohead и Biffy Clyro. Количество рок-групп увеличивается каждый день, поэтому каждый фанат тяжелой музыки находит свое звучание.
Исследовательская работа ученика « Как появилась музыка»
Ищем педагогов в команду «Инфоурок»
МУНИЦИПАЛЬНОЕ БЮДЖЕТНОЕ ОБЩЕОБРАЗОВАТЕЛЬНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ
СРЕДНЯЯ ОБЩЕОБРАЗОВАТЕЛЬНАЯ ШКОЛА №7
КАК ПОЯВИЛАСЬ МУЗЫКА
Выполнил: Даутов Антон
руководитель: Ромашка Елена Владимировна
учитель начальных классов МБОУ СОШ №7
Теоретическая часть. Когда появилась музыка? ………….… 4-9
Легенды о происхождении музыки…………………………..….4-5
Древние духовые инструменты, освоение человеческого голоса первые музыкальные композиции ……………………………….6-7
Начало музыкальной культуры на Руси …………………………8-9
Социологическое исследование в опросе моих одноклассников об отношении к музыке………………………………………………..10
Целительное влияние музыки на человеческий мозг……….……11
Композиция «Reguiem for a Dream» Клинт Мэнелла …………….12
Список использованной литературы ………………………….…..14
Приложение № 1 Музыкальные средства от всех болезней…15-16
Приложение № 2 Практическое задание по теме:
«Как появилась музыка» ………………………………….………17
Приложение № 3 Итоги практического исследования в форме
опроса в диаграммах ……………………………………. 18-20
Парадокс музыкального искусства: уходя корнями в животное начало в человеке, оно являет собой высшее проявление абстрактного мышления – поэтому музыка захватывает человека целиком, от низших уровней психики до высших.
Для достижения, поставленной цели я применил следующие методы исследования:
— изучение истории возникновения музыки; 
— отношения моих сверстников к музыке;
— практически выяснить на личном примере влияние музыки на состояние окружающих в момент ее звучания в живом исполнении.
Решая поставленные задачи, мне стало очень интересно разобраться, как в древности люди пришли к тому, что есть музыка, как они научились понимать звуки, как появились первые музыкальные инструменты, а в последствии и музыкальные композиции. Ведь музыка – это искусство звука. Своими особыми средствами она передаёт впечатления от окружающего нас мира. Она может вызывать у слушателей ощущение света или тьмы, дневного летнего зноя или ночной прохлады… 
Я решил провести социологическое исследование, среди своих одноклассников, на предмет понимания ими происхождения музыки, необходимости ее в нашей жизни, и вообще узнать, кому из моих сверстников в классе интересна музыка и какая.
Итак, начну по порядку. Когда возникла музыка? Этот вопрос давно волнует людей. Еще в глубокой древности было сложено немало легенд о происхождении музыки. Древние греки считали, что музыка дарована им богами.
Ученые же на основе археологических и этнографических исследований установили, что музыка появилась еще в первобытном обществе.
У древних людей она была связана с их повседневной жизнью. Женщины напевали, баюкая детей, пастухи созывали стадо звуками рожков, воинственные возгласы повергали в ужас врагов. 
Предполагают, что она произошла от тех звуков, которые существуют в природе: шелест леса, шум дождя, удары грома. Но есть и другое предположение — музыка возникла из человеческой речи: стоит только произнести слово нараспев. Человек прислушивался, наблюдал и в какой-то момент попробовал сам сочинять музыку. Возможно, он срезал тростник, проделал в нем отверстия, поднес к губам, подул — и получились звуки. А быть может, он сначала придумал простейшие ударные инструменты — отбивая ритм одной палочкой по другой. Или человек, находясь в приподнятом настроении, вдруг запел! Какой была самая первая мелодия, придуманная человеком? Сейчас мы можем только догадываться об этом.
В глубокой древности люди видели в музыке космическую силу, считали, что музыкальная гармония лежит в основе мироздания. Древние индийцы верили, что музыка влияет на судьбу человека. Ее связывали с законами космоса: тона сопоставляли с планетами, интервалы — с временами года. В Древних Китае, Египте, Греции музыкальные интервалы рассматривали подобно соотношению между планетами. Школа Пифагора (VI в. до н. э.), разработав учение о «музыке движущих сфер», видела музыкальное начало в мироздании, гармонии природы.
Одни звуки отождествлялись с космическими стихиями — водой, землей, огнем, воздухом; другие — с цветами, голосами птиц и животных. В Китае с разными тонами связывали разное общественное положение людей. Элементы музыкальной теории рассматривались как всеобщие космические законы. «Высокая» музыка противопоставлялась «низкой» — народной.
В Древней Индии, например, «высокая» музыка считалась «музыкой пути, знаний», бытовая же, народная, — музыкой земли, «почвенной».
Разделение происходило и в использовании музыкальных инструментов: во многих странах простым людям не разрешалось играть на музыкальных инструментах аристократических кругов общества. Но для аристократов музыка была только любительским занятием, быть профессиональным музыкантом считалось недостойным. Как правило, придворные музыканты были выходцами из низших слоев общества.
У индусов музыка служила средством магии для укрощения змей, слонов. Китайский философ Конфуций видел в музыке огромную воспитательную силу: некоторые песни вызвали у человека смирение и послушание. 
В Древнем Египте ее считали средством очищения от страстей. 
Древнегреческий философ Платон видел в музыке дисциплинирующую силу и поэтому был убежден, что государство должно строиться на законах музыки. Люди полагали, что Высшая — Великая — Музыка была в мироздании еще до того, как ее стал сочинять человек. «Музыка правит Вселенной», — так думали древние греки.
Еще в древности люди придавали огромное значение воздействию музыки на жизнь человека. У многих народов существовала строгая система создания музыки: в одних музыкальных ладах предписывалось сочинять мелодии для укрепления силы воли, мужества, призыва к действию, в других ладах — для возбуждения чувств человека и приведения его в экстаз. 
В Древнем Китае, например, музыкальные лады по воздействию на человека разделялись так: в первом ладу сочинялась музыка, обращенная к Богу; в седьмом — для сопровождения выхода императора из гарема, в двенадцатом — для пирушек наследного принца.
В Древней Индии звучание музыки было тоже строго регламентировано, и конкретные мелодии исполнялись в соответствии с разными временами года, временем дня и состоянием погоды. Так, существовала музыка для утра или вечера, зимы или лета, солнечного или пасмурного дня.
Археологи не раз находили музыкальные инструменты каменного века – специально обработанные кости мамонта, издающие звук при ударе, костяные дудочки. Но если о музыкальной жизни наших предков мы можем только догадываться, то о многих племенах, живущих первобытным строем в позднейшие времена, известны достоверные факты. У многих таких народов юноша, чтобы получить статус взрослого мужчины – полноправного члена племени – должен был продемонстрировать не только силу, ловкость и охотничьи навыки, но и умение играть на флейте (в ряде случаев – не только ртом, но и носом) и исполнить мелодию собственного сочинения. Свистки делали из кости, дерева и глины. Из этого развилась флейта. Это очень древний инструмент, египтяне владели ею уже более 6000 лет назад.
Когда люди начали изготавливать музыкальные инструменты, точно неизвестно. Но в любом случае, чтобы это произошло, человек должен был освоить самый древний инструмент, по сей день считающийся самым совершенным – человеческий голос.
Главная особенность голоса (которая есть не только у нас, но и у всех высших животных) заключается в том, что он чутко реагирует на эмоциональное состояние своего носителя: стоит вам разволноваться – и интонации голоса пойдут вверх. Но есть и обратный эффект: если с вами говорят громко и пронзительно – вы начинаете возбуждаться. Таким образом, сформировался своеобразный биоакустический код, служащий для передачи эмоциональных состояний. При этом неважно, чем это состояние вызвано – передаётся «гнев вообще», «страдание вообще» и т.п. – эмоции обобщаются и абстрагируются.
От такого биоакустического кода до пения был один шаг. Самое древнее пение представляло собой то, что музыканты называют глиссандо – скольжение голосом. Впоследствии в нём выделились «точки» – звуки, обладающие определённой высотой – т.н. тоны. Последовательность таких тонов слагается в интонации, строящиеся по принципу эмоционального биоакустического кода.
История музыки. Музыкальные эпохи
Основные эпохи в истории развития музыки. Краткий справочник.
История академической музыки
Основные музыкальные эпохи
Доисторическая музыка
Доисторической, или примитивной, принято обозначать устную музыкальную традицию.
Термин «доисторическая» обычно применим к музыкальной традиции древних европейских народов, а в отношении музыки представителей остальных континентов используются другие термины – фольклорная, традиционная, народная.
Первые музыкальные звуки – это подражания человека голосам животных и птиц во время охоты. И первый в истории музыкальный инструмент – это человеческий голос. Усилием голосовых связок человек уже тогда мог виртуозно воспроизводить звуки в широком диапазоне: от пения экзотических птиц и стрекота насекомых до рыка дикого зверя.
Первым доисторическим музыкальным инструментом, существование которого официально подтверждают археологи, является флейта. В своей первобытной форме она представляла собой свисток. Свистовая трубочка приобрела отверстия для пальцев и стала полноценным музыкальным инструментом, который постепенно усовершенствовался до формы современной флейты. Прототипы флейты были обнаружены при раскопках в юго-западной Германии, датируемых периодом 35-40 тыс. лет до нашей эры.
Музыка древнего мира
Доисторическая эра заканчивается с переходом на письменную музыкальную традицию.
Старейшая известная песня, зафиксированная на клинописной табличке, была найдена на раскопках Ниппура, она датируется 2000 г до н. э. Табличка была расшифрована профессором А. Д. Килмер из Университета Беркли, также было продемонстрировано, что она сочинена терциями и использовала пифагоров строй.
Двойные трубы, такие, какие использовали, например, древние греки, и древние волынки, а также обзор древних рисунков на вазах и стенах, и древняя письменность (см., например, «Проблемы» Аристотеля, Книга XIX.12[4]), в которой описана музыкальная техника того времени, указывают на полифонию. Одна трубка в авлосе, вероятно, создавала фон, в то время как другая играла мелодичные пассажи. Инструменты, как например флейта с семью отверстиями и различные виды струнных инструментов были найдены у цивилизации долины Инда.
Упоминания об Индийской классической музыке (марга) могут быть найдены в священных писаниях Ведах. Сама-веда, одна из четырёх вед, подробно описывает музыку. История музыки в Иране (Персии), восходит к доисторической эре. Легендарному великому царю, Джамшиду, приписывают изобретение музыки. Музыку в Иране можно проследить в прошлое до дней эламской империи (2500—644 до н. э.). Отрывочные документы из различных периодов истории страны показывают, что древние персы имели обширную музыкальную культуру. Сасанидский период (226—651 н. э.), в частности, оставил нам множество доказательств, указывающих наличие оживлённой музыкальной жизни в Персии. Имена некоторых важных музыкантов, таких, как Барбод, Накисса и Рамтин, а также названия некоторых их работ сохранились.
На стенах пирамид, в древних папирусах, в сборниках «Тексты пирамид» и «Книга мёртвых» есть строки религиозных гимнов. Встречаются «страсти» и «мистерии». Популярным сюжетом были «страсти» Осириса, который ежегодно умирал и воскресал, а также женские песни-плачи над мертвым Осирисом. Исполнение песен могло сопровождаться драматическими сценами.
Древнейшими музыкальными инструментами египтян были арфа и флейта. В период Нового царства египтяне играли на колоколах, бубнах, барабанах и лирах, импортируемых из Азии. Богатые люди устраивали приёмы с приглашением профессиональных музыкантов.
Считается, что именно в Древней Греции музыка достигла наивысшего расцвета в культуре Древнего мира. Само слово «музыка» имеет древнегреческое происхождение. В Древней Греции впервые была отмечена закономерная связь между высотой звука и числом, открытие которой традиция приписывает Пифагору.
Рост полисов, в которых проходили большие культовые и гражданские праздники, привёл к развитию xoрового пения под аккомпанемент духового инструмента. Вместе с авлосом вошла в употребление металлическая труба. Постоянные войны стимулировали развитие военной музыки. Вместе с тем развивалась и лирическая поэзия, которая распевалась под аккомпанемент музыкальных инструментов. Среди известных авторов песен — Алкей, Архилох и Сапфо.
Классиком xoровой лирики стал поэт и музыкант Пиндар, автор гимнов, застольных и победных од, отличавшихся разнообразием форм, богатством и причудливостью ритмов. Ha основе гимнов Пиндара развились дифирамбы, исполнявшиеся на дионисийских празднествах (около 600 до н. э.).
Музыка была неотъемлемой частью театральных представлений. Трагедия сочетала в себе драму, танец и музыку. Авторы трагедий — Эсхил, Софокл, Еврипид подобно древнегреческим лирическим поэтам, были одновременно и создателями музыки. По мере развития в трагедию вводились музыкальные партии корифея и актёров.
Еврипид в своих произведениях ограничил введение хоровых партий, сосредоточив основное внимание на сольных партиях актёров и корифеев, по образцу, так называемого, нового дифирамба, отличавшийся большим индивидуализацией, эмоциональностью, подвижным, виртуозным характером.
Создателями стиля нового дифирамба стали Филоксен из Китеры и Тимофей Милетский. Авторы древнегреческих комедий часто использовали многострунные кифары для сопровождения литературного текста, вводили в спектакль народные песенные мелодии.
Музыка эпохи средневековья
Музыка эпохи средневековья — период развития музыкальной культуры, охватывающий промежуток времени примерно с V по XIV века н.э.
В эпоху средневековья в Европе складывается музыкальная культура нового типа — феодальная, объединяющая в себе профессиональное искусство, любительское музицирование и фольклор.
Поскольку церковь господствует во всех областях духовной жизни, основу профессионального музыкального искусства составляет деятельность музыкантов в храмах и монастырях.
Светское профессиональное искусство представлено поначалу лишь певцами, создающими и исполняющими эпические сказания при дворе, в домах знати, среди воинов и т. д. (барды, скальды и др.).
Со временем развиваются любительские и полупрофессиональные формы музицирования рыцарства: во Франции — искусство трубадуров и труверов (Адам де ла Аль, XIII век), в Германии — миннезингеров (Вольфрам фон Эшенбах, Вальтер фон дер Фогельвейде, XII-XIII века), а также городских ремесленников. В феодальных замках и в городах культивируются всевозможные роды, жанры и формы песен (эпические, «рассветные», рондо, ле, виреле, баллады, канцоны, лауды и др.).
Входят в быт новые музыкальные инструменты, в том числе пришедшие с Востока (виола, лютня и т. д.), возникают ансамбли (нестабильных составов). В крестьянской среде расцветает фольклор. Действуют также «народные профессионалы»: сказители, странствующие синтетические артисты (жонглёры, мимы, менестрели, шпильманы, скоморохи).
Закреплению, сохранению и распространению традиций и эталонов (но также и их постепенному обновлению) способствовал переход от невм, лишь приблизительно указывавших характер мелодического движения, к линейной нотации (Гвидо д’Ареццо, XI век), позволившей точно фиксировать высоту тонов, а затем и их длительность.
В Западной Европе с VI-VII веков. складывается строго регламентированная система одноголосной (монодической) церковной музыки на основе диатонических ладов (григорианское пение), объединяющая речитацию (псалмодия) и пение (гимны).
На рубеже 1-го и 2-го тысячелетий зарождается многоголосие. Формируются новые вокальные (хоровые) и вокально-инструментальные (хор и орган) жанры: органум, мотет, кондукт, затем месса. Во Франции в XII веке образуется первая композиторская (творческая) школа при Соборе Парижской богоматери (Леонин, Перотин).
На рубеже Возрождения (стиль ars nova во Франции и Италии, XIV века) в профессиональной музыке одноголосие вытесняется многоголосием, музыка начинает понемногу освобождаться от сугубо практической функций (обслуживание церковных обрядов), в ней усиливается значение светских жанров, в том числе песенных (Гильом де Машо).
Восточная Европа и Азия
В Восточной Европе и Закавказье (Армения, Грузия) развиваются свои музыкальные культуры с самостоятельными системами ладов, жанров и форм.
В Византии, Болгарии, Киевской Руси, позднее Новгороде расцветает культовое знаменное пение (Знаменный распев), основанное на системе диатонических гласов, ограничивающееся только чисто вокальными жанрами (тропари, стихиры, гимны и др.) и использующее особую систему записи нот (крюки).
В это же время на Востоке (Арабский халифат, страны Средней Азии, Иран, Индия, Китай, Япония) формируется феодальная музыкальная культура особого типа. Её признаки — широкое распространение светского профессионализма (как придворного, так и народного), приобретающего виртуозный характер, ограничение устной традицией и монодическими (мелодия без аккомпанемента) формами, достигающими, однако, высокой изощрённости в отношении мелодики и ритмики, создание весьма устойчивых национальных и межнациональных систем музыкального мышления, объединяющих в себе строго определённые виды ладов, жанров, интонационных и композиционных структур (мугамы, макамы, раги и др.).
Музыка эпохи Возрождения
Музыка эпохи Возрождения- период в развитии европейской музыки приблизительно между 1400 и 1600 годами
Музыка Ренессанса (1534-1600)
Римскую школу представляла группа композиторов преимущественно церковной музыки в Риме, охватывающее поздний Ренессанс и раннее Барокко эпохи. Наиболее известным композитором римских школ был Джованни Пьерлуиджи да Палестрина, чье имя ассоциируется четыреста лет с гладким, четким, полифоническим совершенством.
Musica reservata стиля или практика в исполнении капеллы вокальной музыки, в основном в Италии и южной Германии, включая уточнение и интенсивное эмоциональное выражение, пели тексты.
Кроме того, многие композиторы демонстрировали деление в своих работах между Prima Пратика (музыка в стиле ренессанса полифонического) и Seconda Пратика (музыка в новом стиле) в течение первой половины 17 века.
Музыка эпохи барокко
Музыка эпохи барокко- период в развитии европейской классической музыки приблизительно между 1600 и 1750 годами.
Барочная музыка появилась в конце эпохи Возрождения и предшествовала музыке эпохи классицизма.
Сочинительские и исполнительские приёмы периода барокко стали неотъемлемой и немалой частью музыкального классического канона.
Сильное развитие получили такие понятия, как теория музыки, диатоническая тональность, имитационный контрапункт. Музыкальный орнамент стал весьма изощрённым, сильно изменилась музыкальная нотация, развились способы игры на инструментах. Расширились рамки жанров, выросла сложность исполнения музыкальных произведений, появился такой вид сочинений, как опера. Большое число музыкальных терминов и концепций эры барокко используются до сих пор.
В эпоху барокко родились такие гениальные произведения, как фуги Иоганна Себастьяна Баха, хор «Аллилуйя» из оратории «Мессия» Георга Фридриха Генделя, «Времена года» Антонио Вивальди, «Вечеря» Клаудио Монтеверди.
Условной точкой перехода между эпохами барокко и ренессанса можно считать создание итальянским композитором Клаудио Монтеверди (1567—1643) его речитативного стиля и последовательное развитие итальянской оперы. Начало оперных спектаклей в Риме и особенно в Венеции означало уже признание и распространение нового жанра по стране.
Композиторы ренессанса уделяли внимание проработке каждой части музыкального произведения, практически не уделяя внимания сопоставлению этих частей. По отдельности каждая часть могла звучать превосходно, но гармоничный результат сложения был, скорее, делом случая, чем закономерности.
Появление фигурного баса указывало на значительное изменение в музыкальном мышлении — а именно то, что гармония, являющаяся «сложением частей в одно целое», так же важна, как и мелодические части полифония сами по себе. Всё больше и больше полифония и гармония выглядели, как две стороны одной идеи сочинения благозвучной музыки: при сочинении гармоническим секвенциям уделялось то же внимание, что и тритонам при создании диссонанса.
Италия становится центром нового стиля. Папство, хотя и захваченное борьбой с реформацией, но тем не менее обладающее огромными денежными ресурсами, пополняемыми за счёт военных походов Габсбургов, искало возможности распространения католической веры с помощью расширения культурного влияния.
Одним из важных центров музыкального искусства была Венеция, бывшая в то время как под светским, так и под церковным патронажем.
Значительной фигурой периода раннего барокко, позиция которого была на стороне Католицизма, противостоящего растущему идейному, культурному и общественному влиянию Протестантизма, был Джованни Габриэли. Его работы принадлежат стилю «Высокого возрождения» (период расцвета Ренессанса). Однако некоторые его нововведения в области инструментовки (назначение определённому инструменту собственных, специфических задач) однозначно указывают, что он был одним из композиторов, повлиявших на появление нового стиля.
Одно из требований, предъявляемых церковью сочинению духовной музыки, заключалось в том, чтобы тексты в произведениях с вокалом были разборчивы. Это потребовало ухода от полифонии к музыкальным приёмам, где слова выходили на передний план. Вокал стал более сложен, витиеват по сравнению с аккомпанементом. Так получила развитие гомофония.
Монтеверди стал самым заметным среди поколения композиторов, почувствовавших значение для светской музыки этих изменений. В 1607 году его опера «Орфей» стала вехой в истории музыки, продемонстрировавшей множество приёмов и техник, которые впоследствии стали ассоциироваться с новой композиторской школой, названной seconda pratica, в отличие от старой школы или prima pratica. Монтеверди, сочинявший высококлассные мотеты в старом стиле, являвшиеся развитием идей Луки Маренцио (итал. Luca Marenzio) и Жьяша де Верта (нидерл. Giaches de Wert), был мастером в обеих школах. Но именно произведения, написанные им в новом стиле, открыли множество приёмов, узнаваемых даже в эпоху позднего барокко.
В распространение новых приёмов большой вклад внёс немецкий композитор Генрих Шюц (1585—1672), обучавшийся в Венеции. Он использовал новые техники в своих работах, когда служил хормейстером в Дрездене.
Музыка зрелого барокко (1654—1707)
Зрелое барокко отличается от раннего повсеместным распространением нового стиля и усилившимся разделением музыкальных форм, особенно в опере. Как и в литературе, появившаяся возможность потоковой печати музыкальных произведений привела к расширению аудитории; усилился обмен между центрами музыкальной культуры.
В теории музыки зрелого барокко определяется фокусированием композиторов на гармонии и на попытках создать стройные системы музыкального обучения. В последующие годы это привело к появлению множества теоретических трудов. Замечательным образцом подобной деятельности может служить работа периода позднего барокко — «Gradus ad Parnassum» (русск. Ступени к Парнасу), опубликованная в 1725 году Иоганном Йозефом Фуксом (нем. Johann Joseph Fux) (1660—1741), австрийским теоретиком и композитором. Это сочинение, систематизировавшее теорию контрапункта, практически до конца XIX века было важнейшим пособием для изучения контрапункта.
Выдающимся представителем придворных композиторов двора Людовика XIV был Джованни Баттиста Люлли (1632—1687). Уже в 21 год он получил звание «придворного композитора инструментальной музыки». Творческая работа Люлли с самого начала была крепко связана с театром. Вслед за организацией придворной камерной музыки и сочинением «airs de cour» он начал писать балетную музыку. Сам Людовик XIV танцевал в балетах, которые были тогда излюбленным развлечением придворной знати. Люлли был превосходным танцором. Ему доводилось участвовать в постановках, танцуя вместе с королём. Он известен своей совместной работой с Мольером, на пьесы которого он писал музыку. Но главным в творчестве Люлли было всё же написание опер. Удивительно, но Люлли создал законченный тип французской оперы; так называемой во Франции лирической трагедии (фр. tragedie lyrique), и достиг несомненной творческой зрелости в первые же годы своей работы в оперном театре. Неотъемлемым элементом его работы было внимание к гармонии и солирующему инструменту.
Композитор и виолинист Арканджело Корелли (1653—1713) известен своей работой над развитием жанра кончерто гроссо. Корелли был одним из первых композиторов, чьи произведения публиковались и исполнялись по всей Европе. Как и оперные сочинения Люлли, жанр кончерто гроссо построен на сильных контрастах; инструменты делятся на участвующие в звучании полного оркестра, и на меньшую солирующую группу. Музыка построена на резких переходах от громко звучащих частей к тихим, быстрые пассажи противопоставлены медленным. Среди его последователей был Антонио Вивальди, позднее сочинивший сотни работ, построенных на излюбленных формах Корелли: трио-сонатах и концертах.
В Англии зрелое барокко отмечено ярким гением Генри Пёрселла (1659—1695). Он умер молодым, в возрасте 36 лет, написав большое количество произведений и став широко известным ещё при жизни. Пёрселл работал в широком спектре жанров; от простых религиозных гимнов до маршевой музыки, от вокальных сочинений большого формата до постановочной музыки. Его каталог насчитывает более 800 работ. Пёрселл стал одним из первых композиторов клавишной музыки, влияние которых распространяется и на современность.
В отличие от вышеперечисленных композиторов Дитрих Букстехуде (1637—1707) не был придворным композитором. Букстехуде работал органистом, сначала в Хельсингборге (1657—1658), затем в Эльсиноре (1660—1668), а затем, начиная с 1668 года, в церкви св. Марии в Любеке. Он зарабатывал не публикацией своих произведений, а их исполнением, и патронажу знати предпочитал сочинение музыки на церковные тексты и исполнение собственных органных работ. К сожалению, сохранились далеко не все произведения этого композитора. Музыка Букстехуде во многом построена на масштабности замыслов, богатстве и свободе фантазии, склонности к патетике, драматизму, несколько ораторской интонации. Его творчество оказало сильное влияние на таких композиторов, как И. С. Бах и Телеман.
Музыка позднего барокко (1707—1760)
Точная грань между зрелым и поздним барокко является предметом обсуждения; она лежит где-то между 1680 и 1720.
Важной вехой можно считать практически абсолютное главенство тональности, как структуризирующего принципа сочинения музыки. Это особенно заметно в теоретических работах Жана Филиппа Рамо, который занял место Люлли, как главного французского композитора. В то же время, с появлением работ Фукса, полифония ренессанса дала базис для изучения контрапункта. Комбинация модального контрапункта с тональной логикой каденций создала ощущение, что в музыке присутствует два сочинительских стиля — гомофонический, и полифонический, с приёмами имитации и контрапунктом.
Формы, открытые предыдущим периодом, достигли зрелости и большой вариативности; концерт, сюита, соната, кончерто гроссо, оратория, опера и балет уже не имели резко выраженных национальных особенностей. Повсеместно устоялись общепринятые схемы произведений: повторяющаяся двухчастная форма (AABB), простая трёхчастная форма (ABC) и рондо.
Антонио Вивальди (1678—1741) — итальянский композитор, родился в Венеции. В 1703 году принял сан католического священника. Первого декабря того же года он становится maestro di violino в венецианском сиротском приюте «Pio Ospedale della Pieta» для девочек. Известность Вивальди принесли не концертные выступления или связи при дворе, но публикации его работ, включавшие его трио-сонаты, скрипичные сонаты и концерты. Они были опубликованы в Амстердаме и широко разошлись по Европе. Именно в эти, в то время всё ещё развивающиеся инструментальные жанры (барочная соната и барочный концерт), Вивальди и внёс свой самый значительный вклад. Для музыки Вивальди характерны определённые приёмы: трёхчастная циклическая форма для кончерто гроссо и использование ритурнели в быстрых частях. Вивальди сочинил более 500 концертов. Он также давал программные названия некоторым своим работам, таким как знаменитые «Времена года». Карьера Вивальди показывает возросшую возможность для композитора существовать независимо: на доходы от концертной деятельности и публикации своих сочинений.
Доменико Скарлатти (1685—1757) был одним из ведущих клавишных композиторов и исполнителей своего времени. Он начал свою карьеру, как придворный композитор; вначале в Португалии, а с 1733 года в Мадриде, где он и провёл остаток жизни. Его отец Алессандро Скарлатти считается основателем неаполитанской оперной школы. Доменико тоже сочинял оперы и церковную музыку, но известность (уже после его смерти) ему обеспечили его произведения для клавишных. Часть этих произведений он написал для собственного удовольствия, часть — для своих знатных заказчиков.
Но возможно, самым знаменитым придворным композитором стал Георг Фридрих Гендель (1685—1759). Он родился в Германии, три года учился в Италии, но в 1711 году уехал Лондон, где и начал свою блистательную и коммерчески успешную карьеру независимого оперного композитора, выполняющего заказы для знати. Обладающий неутомимой энергией, Гендель перерабатывал материал других композиторов, и постоянно переделывал свои собственные сочинения. Например, он известен тем, что переработал знаменитую ораторию «Мессия» столько раз, что сейчас не существует версии, которую можно назвать «аутентичной». Несмотря на то, что его финансовое состояние то улучшалось, то приходило в упадок, его известность, основанная на опубликованных произведениях для клавишных, церемониальной музыке, операх, кончерто гроссо и ораториях всё возрастала. Уже после смерти он был признан ведущим европейским композитором, и изучался музыкантами эпохи классицизма. Гендель смешал в своей музыке богатые традиции импровизации и контрапункта. Искусство музыкальных украшений достигло в его произведениях очень высокого уровня развития. Он путешествовал по все Европе, чтобы обучаться музыке других композиторов, в связи с чем имел очень широкий круг знакомств среди композиторов других стилей.
Среди композиторов Франции выделяется Оттетер, автор знаменитого трактата об игре на флейте (1707), трактата об импровизации (1719) и руководства игры на мюзетте (1737), превосходный флейтист. Самые известные сочинения Оттетера — сюиты для флейты и баса, пьесы для соло флейты и двух флейт, трио-сонаты
В 1802 году Иоганн Николай Форкель издал первую наиболее полную биографию Иоганна Себастьяна Баха. В 1829 Феликс Мендельсон исполнил в Берлине баховские «Страсти по Матфею». Успех этого концерта стал причиной появления громадного интереса к музыке Баха в Германии, а затем и во всей Европе.
Иоганн Себастьян Бах родился 21 марта 1685 года в городе Эйзенах, Германия. За свою жизнь он сочинил более 1000 произведений в различных жанрах, кроме оперы. Но при жизни он не добился какого-либо значимого успеха. Много раз переезжая, Бах сменял одну не слишком высокую должность за другой: в Веймаре он был придворным музыкантом у Веймарского герцога Иоганна Эрнста, затем стал смотрителем органа в церкви св. Бонифация в Арнштадте, через несколько лет принял должность органиста в церкви св. Власия в Мюльхаузене, где поработал всего лишь около года, после чего вернулся в Веймар, где занял место придворного органиста и устроителя концертов. На этой должности он задержался на девять лет. В 1717 году Леопольд, герцог Анхальт-Кётенский, нанял Баха на должность капельмейстера, и Бах стал жить и работать в Кётене. В 1723 Бах переехал в Лейпциг, где и остался до своей смерти в 1750 году. В последние годы жизни и после смерти Баха его известность как композитора стала уменьшаться: его стиль считали старомодным по сравнению с расцветающим классицизмом. Его больше знали и помнили как исполнителя, педагога и отца Бахов-младших, в первую очередь Карла Филиппа Эммануила, музыка которого была известнее.
Лишь исполнение «Страстей по Матфею» Мендельсоном, через 79 лет после смерти И. С. Баха воскресило интерес к его творчеству. Сейчас И. С. Бах является одним из самых популярных композиторов всех времён (например, в голосовании «Лучший композитор тысячелетия», проведённом на Cultureciosque.com Бах занял первое место [15]).
Другие ведущие композиторы позднего барокко: Георг Филипп Телеман (1681—1767) и Жан Филипп Рамо (1683—1764).
Музыка периода классицизма
Музыка периода классицизма- период в развитии европейской музыки приблизительно между 1730 и 1820 годами
Понятие классицизма в музыке устойчиво ассоциируется с творчеством Гайдна, Моцарта и Бетховена, называемых венскими классиками и определивших направление дальнейшего развития музыкальной композиции.
Именно в этот период окончательно сформировалась сонатная форма, основанная на разработке и противопоставлении двух контрастных тем, определился классических состав частей сонаты и симфонии.
В период классицизма появляется струнный квартет состоящий из двух скрипок, альта и виолончели, значительно расширяется состав оркестра.
Романтизм
Романтизм — идейное и художественное направление в европейской и американской культуре конца XVIII — 1-й половины XIX в.
В музыке романтизм сформировался в 1820-х гг. и сохранял свое значение вплоть до начала XX в. Ведущим принципом романтизма становится резкое противопоставление обыденности и мечты, повседневного существования и высшего идеального мира, создаваемого творческим воображением художника.
Первоначально романтизм выступил как принципиальный противник классицизма. Античному идеалу было противопоставлено искусство средних веков, далеких экзотических стран. Романтизм открыл сокровища народного творчества — песен, сказаний, легенд. Однако противоположность романтизма классицизму все же относительна, так как романтики восприняли и развили дальше достижения классиков. На многих композиторов большое влияние оказало творчество последнего венского классика — Л. Бетховена.
Для музыканта-романтика процесс важнее результата, существеннее достижения. Они, с одной стороны, тяготеют к миниатюре, часто включаемой ими в цикл других, как правило, разнохарактерных пьес; с другой — утверждают свободные композиции, в духе романтических поэм. Именно романтики разработали новый жанр — симфоническую поэму. Чрезвычайно велик вклад композиторов-романтиков и в развитие симфонии, оперы, а также балета.
Среди композиторов 2-й половины XIX — начала XX в. в чьем творчестве романтические традиции способствовали утверждению гуманистических идей, — И. Брамс, А. Брукнер, Г. Малер, Р. Штраус, Э. Григ, Б. Сметана, А. Дворжак и другие
В России отдали дань романтизму едва ли не все великие мастера русской классической музыки. Велика роль романтического мироощущения в произведениях основоположника русской музыкальной классики М. И. Глинки, особенно в его опере «Руслан и Людмила».
В творчестве его великих продолжателей при общей реалистической направленности роль романтических мотивов была значительна. Они сказались в ряде сказочно-фантастических опер Н. А. Римского-Корсакова, в симфонических поэмах П. И. Чайковского и композиторов «Могучей кучки».
Романтическое начало пронизывает сочинения А. Н. Скрябина и С. В. Рахманинова.
Сайты для школьников
Музыка 20-го века
Экспрессионизм- сформировался в 1-м десятилетии XX века
Экспрессионизм в музыке сформировался в 1-м десятилетии 20 в.; ряд его элементов проявился в последних произведениях Г. Малера («Песнь о земле», 1908; 9-я, 1909 и неоконченной 10-я симфонии) и операх. Р. Штрауса («Саломея», 1905; «Электра», 1908).
Композиторы этого направления выработали круг особых средств музыкальной выразительности; они отказались от широкой напевной мелодики, ясных тональных устоев; принцип атональности способствовал выражению зыбких душевных состояний и необъяснимого смутного беспокойства.
Многие произведения отличаются лаконизмом, давая лишь намёки на какой-либо образ или душевное переживание (в цикле Веберна «5 пьес для оркестра», 1910, некоторые части длятся менее 1 мин.)
В творчестве Веберна Э. перерождается в иную стилистическую формацию, где господствует абстрактно-рационалистическое конструктивное начало. Поэтому именно Веберн был признан родоначальником послевоенного музыкального авангардизма.
Атональная музыка (греч. а — отрицательная частица; буквально — внетональная музыка), понятие, относящееся к музыке, не имеющей тональной организации звуков. Возникло в начале 1900-х гг. и было связано с творчеством композиторов новой венской школы (А. Шёнберг, А. Берг, А. Веберн). Основной признак А. м. — отсутствие объединяющего соотношения тонов с главным центром лада — тоникой. Отсюда — аморфность музыкальной речи, распад структурных функций гармонии, диссонантный уровень звучания и т.п.
В 1922 Шёнберг изобрёл метод композиции «с 12 соотнесёнными лишь между собой тонами» (получивший затем наименование додекафония), в задачу которого входило внесение в анархию А. м. строгого порядка. А. м. лежит в основе многих систем композиции, входящих в арсенал авангардизма. Эстетические принципы А. м. тесно связаны с экспрессионизмом. Метод, приёмы и элементы А. м. встречаются у композиторов различных направлений (Ч. Айве, Б. Бриттен, Б. Барток, А. Онеггер и др.).
Конструктивизм находит выражение в комбинировании жестких, резко диссонирующих созвучий, синкопированных, ломанных ритмических фигур. В музыке Конструктивизма часто применяются джазовые звучания. Несмотря на полемику, жарко разгоревшуюся вокруг этого направления, Конструктивизм, как стиль, жив по сей день и пользуется заслуженным уважением. Экстремальное направление в искусстве XX века, получившее особенно широкое развитие после Первой мировой войны.
Конструктивизм отмечен культом машины, обезличивает человека, умаляет либо вовсе отрицает идейно-эмоциональное содержание искусства. В применении к музыке сводит творчество к «строительству» звуковых форм, комбинированию различных элементов музыкальной
Неоклассицизм в музыке был тенденцией двадцатого века, особенно актуальной в период между этими двумя мировыми войнами, во время которых композиторы стремились возвратиться к эстетическим предписаниям, связанным с широко определенным понятием «классицизма», а именно, заказать, балансировать, ясность, экономика, и эмоциональная сдержанность.
Также, неоклассицизм был реакцией против несдержанного эмоционализма и чувствовал бесформенность последнего романтизма, так же как «призыв к порядку» после экспериментального фермента первых двух десятилетий двадцатого века.
В форме и тематической технике, неоклассическая музыка часто черпала вдохновение в музыке 18-ого столетия, хотя вдохновляющий канон принадлежал так часто барочным и еще более ранним периодам относительно Классического периода по этой причине, музыку, которая тянет вдохновение определенно из Барокко, иногда называют нео причудливой.
У неоклассицизма было две отличных национальных линии развития, французский язык (происхождение влияния Эрика Сати, и представлял Игорем Стравинским), и немецкий язык (происхождение «Нового Объективизма» Ферруччо Бузони, и представлял Паулем Хиндемитом.) Неоклассицизм был эстетической тенденцией, а не организованным движением; даже много композиторов не обычно мысль как «neoclassicists» поглощали элементы стиля.